Solo es mi humilde opinión.

El pasado cinco de marzo del 2023 se publicaba un artículo en el periódico “El País” escrito por Adrián Cordellat, que tenía por título “Cómics un trampolín para fomentar el habito de leer”

Ese día, yo sostenía mi taza de café en la dicotomía de leer o no este artículo. ¿Lo habrán vuelto a hacer? Y confiando me lleve la primera bofetada en el subtítulo: “La vertiente visual de la novela gráfica facilita la comprensión e interiorización de aspectos que más tarde se pueden profundizar con el libro tradicional”

Del título “Cómic” pasamos a “Novela Gráfica” en el subtítulo. Esto hizo que dejara la taza de café en la mesa y empezara a hacerme una idea del tono que tendría el artículo. Pero sobre todo me quedo claro que con el final de la oración “que más tarde se pueden profundizar con el libro tradicional” me dejaba otra vez como iba el autor a maltratar al cómic.

¿Novela Gráfica o cómic? Esta diferenciación siempre me ha molestado. A ver, entre Novela Gráfica y cómic hay lo mismo entre “camello” y “dromedario”, técnicamente hablando, un dromedario no deja de ser una especie de camello, del género Camelus, pero el autor usa  “Novela Gráfica” porque tiene incluida la palabra “Novela”, y la novela es un género narrativo del “libro tradicional”.

Pero, ¿Qué hay varios tipos de “libros”? pues sí. El tradicional, el electrónico, el enciclopédico, el… a no. Estos son adjetivos para poder englobar la novela gráfica dentro del “libro”. ¿Por qué la novela gráfica es un subgénero del libro? ¿no? Pues no, ese es el tonillo del articulista.

No he pasado de la cuarta línea del título y ya apesta a menosprecio.

Continúe leyendo el artículo y se me revolvió el estómago. Esto hizo que mi placido desayuno cambiara de tercio y empezase a vislumbrar un final lleno de antiácidos. El articulo está escrito  para dar la sensación de que apoya al cómic, pero en realidad lo primero que hace es recordarnos todo aquello con lo que se ha estigmatizado, para después salvar y explicarnos porque no somos carne de campo de concentración u hospital psiquiátrico.

 

 Para empezar, nos recuerdan “Pero no siempre ha sido así, ya que al cómic le ha acompañado durante mucho tiempo el estigma de género menor.” ¡Hey! ¿Cuándo el cómic ha sido un genero menor de algo? El cómic es un arte por derecho propio. No es Literatura. Eso no implica que unas artes no influyan en otros tipos de arte, de echo el cómic incorpora elementos de 5 tipos de arte, pero tampoco olvidemos que la estética del cómic influye en medios como la fotografía, la pintura, el diseño y el cine.

Pero seguimos en el artículo con la frase “y no es extraño encontrarse con docentes que están convencidos de que, si un alumno lee mucha novela gráfica, nunca dará el salto a otro tipo de lecturas consideras de mayor enjundia.” Podemos dar gracias a “Dios” o mejor dicho, a la “LITERATURA” -por favor aquí ponedlo bien grande y con luces de neón, con fuegos artificiales y presentarlo en medio del el estadio de la superbowl- que puede contener mayor enjundia que el ´”cómic”.

 

Pero el segundo párrafo va a por todas. “Igual opina María Cinta Griñó Nolla, que cree que el cómic puede servir como “una especie de trampolín” para motivar a aquellos alumnos que no tienen un buen hábito lector, están desmotivados o que les cuesta tener iniciativa a la hora de leer.” ¡Híjole! Ahora ya somos “trampolín”. Un lugar de paso donde el lector puede pisar con rapidez hacia algo con más enjundia, algo como una piscina. ¡Que digo una piscina! ¡Un océano de enjundia y saber! Pero ¿Por qué quedarnos con “un océano”? ¡un “cosmos” de enjundia y saber! ¡Un cosmos-Dios-Literatura de enjundia y saber! Uff, uff.

Vamos a celebrar el 17 de marzo el Día del Trampolín hacia la cosmos-Dios-Literatura.

Pero este segundo párrafo no acaba en este menosprecio: “Al respecto, la maestra cita a Mauro Rollán y Eladio Sastre, que, ya en 1986, en una publicación titulada El cómic en la escuela: aplicaciones didácticas (Ediciones Universidad de Valladolid), señalaban a la historieta gráfica como “un primer paso hacia el libro”. ¡Vaya! ¡Qué bien!, en el mismo párrafo hemos pasado de “trampolín” a “primer paso”. Al menos en un trampolín se pueden dar varios pasos… ¿Qué será después?, ¿“saltito“, “puerta“, “ventanuco“, “bujerico“, “empujón“, “perezoso movimiento“?….  la ganadora es “puerta”.

 

Continua el artículo escribiendo “Para Noelia Ibarra, concebir el cómic como una literatura menor que sirve de forma exclusiva como puente de acceso a la literatura para adultos es una visión reduccionista: “Puede ser y es una puerta destacada de acceso a la lectura, pero sin entrar en escalas valorativas de su posición en un supuesto canon.” ¡Vaya! Puente y puerta.

El artículo continuó hasta un pequeño articulo dentro del artículo donde dice “Por su experiencia como maestra, María Cinta Griñó Nolla cree que el cómic, cada vez más, se está entendiendo como “un recurso literario” que los maestros pueden utilizar “para multitud de actividades, potenciando así aún más los contenidos del currículo académico”.

Y ya, para que mi estomago haga que me sienta como en un avión con turbulencias, define al cómic como un “recurso literario”. ¡Toma ya!, acogotante.

Y tras leer todo esto, dirás… jope, Joaquín, tampoco es para tomárselo así, que el bueno de Adrián solo quería mostrar “una realidad” y apoyar al cómic. Además, sacas frases de contexto, y eso es demagogia.

Ok, te lo respeto, pero estoy arto de que cuando un “salva patrias” nos quiere “hacer un favor” básicamente nos diga “sois menos que la bolsa de basura que saco todos los días a las ocho de la tarde” y que gracias a los demás pues habéis avanzado algo. Seré un reduccionista, pero intenta leer el artículo cambiando “literatura” “libro tradicional” por “Cómic, y al revés. Verás como te sorprende como el buenismo con el “ser inferior” se hace patente.

Y le recuerdo a todo el mundo que Tokio Revengers 1 y 2 lanzado el pasado 12 de noviembre, superó en ventas al Premio Planeta 2021 escrito por Carmen Mola, “La Bestia”, alzándose, así como la publicación más solicitada en España, por encima de cualquier otro libro, revista o novela. ¿Escuece verdad? 

'Nuff Said!

Ánimo y adelante 

Sin malos rollos, es solo mi humilde opinión.

A lo largo de mis años de estudio sobre la industria del cómic para mejorar mis habilidades como agente, he estudiado las carreras de diferentes artistas. Pero no me he quedado en ese punto, sino también he estudiado las carreras de los editores más relevantes en diferentes editoriales.

Ser un editor no es fácil, y para que veas porque lo afirmo, quiero compartir los requisitos y las obligaciones que necesita un aspirante a trabajar en DC Comics haciendo prácticas de verano como “ayudante” de asistente de editor, que es la posición mas baja dentro del organigrama de una editorial.

En este puesto el postulante sería responsable de ayudar a los editores con el desarrollo y la producción de DC Comics, cómics con licencia, cómics digitales, proyectos personalizados y ediciones recopiladas. Su trabajo consistiría en preparar guiones para rotulistas y crear una guía de colocación de los bocadillos de letras sobre las páginas. También deberá interactuar con autónomos y varios departamentos para garantizar que los proyectos avancen según lo programado. Brindar apoyo administrativo y de oficina a los editores (respondiendo preguntas y controlando los plazos), recopilando referencias sobre personajes, lugares e historias para los editores y realiza otras tareas afines que le sean asignadas.

Los requisitos que se le exige al postulante al puesto es primero experiencia previa en una oficina o biblioteca; grandes habilidades en Microsoft Word, Excel, Photoshop y Acrobat; excelentes habilidades verbales y de escritura. Debe tener la capacidad de trabajar bien con limitaciones de tiempo, cumplir con los plazos y contribuir a múltiples proyectos mientras presta mucha atención a los detalles. Debe estar inscrito activamente en un programa universitario o ser un universitario acreditado en los EE. UU. durante la duración completa de las prácticas. Debe ser un estudiante junior, senior o graduado con 18 años o más. Debe tener una buena reputación académica con al menos 2.8 o más GPA. Además, suman puntos estar familiarizado con los comic books, la historia de los cómics y conocimiento de los personajes de DC. Tener grandes habilidades interpersonales y emprendedor.

Este puesto dura doce semanas y se trabajan cuarenta horas semanales. El pago por hora depende si es a través de un post grado o no, pero los precios son de 19USD por hora para el postulante de “pregrado” o de 25USD por hora para postulantes de posgrado.

Es interesante analizar punto por punto estas características y obligaciones para empezar a trabajar en lo mas bajo de DC Comics. Pero veo que una de las más importantes es la gran importancia que tienen las fechas de entrega o “deadlines”, que son algo que comparten ambos sectores humanos los cuales interactúan para la creación de un cómic. Para más de uno es una carga demasiado pesada para sobrellevarla solo.

La fecha de entrega no es el día en el que se entregan las páginas, sino es el día que se entregan las correcciones de las páginas entregadas un día o dos antes. Esa es la razón por la que siempre pido que se tenga en cuenta por si no puede realizarse antes de empezar, para no coger el trabajo o pedir que se cambie la fecha en algo mas realista.

Cuéntame tu parecer sobre el trabajo de un editor o la cuestión del deadline.

 

Ánimo y adelante

Sin malos rollos, es solo mi humilde opinión.

No podemos pelear contra algo así; nos aventajan demasiado. La gestión del Manga en su país, Japón, es un mundo ilimitadamente competitivo, de gran castigo personal y terriblemente duro.

Ya había subido una foto a las redes sociales de un manga publicado por Norma Editorial aquí en España de título “Cómo se hace la Jump” De Takeshi Sakurai. Este manga es un docucómic donde explican todas las facetas de la producción de la revista Shonen Jump. La foto explica cuando el bueno de Takeshi, acompañado a su editor van al estudio de Takeshi Sakura, Mangaka de “My Hero Academia” le pregunta:

- ¿Cómo es una semana típica tuya, a grandes rasgos?

-Invierto tres días y medio en el story y otros tres días y medio en el dibujo.

-Oh! Así que mitad y mitad. eh!

-No tienes descanso, por lo que veo… ¿Seguro que duermes como es debido?

-Procuro dormir cuatro horas al día. Salvo el día antes de la entrega, claro...

- ¿Cuánto tardas en dibujar una página?

- Ehm… Pues hasta el entintado, un par de horas.

Impresionante el ritmo de trabajo por parte del dibujante de “Boku no Hīrō Akademia”. Cuando leí esto, empecé a buscar la forma de trabajar de otros Mangakas. En un artículo del 2019 que Kodansha Comic que entrevista a Katsuhiro Otomo, describía su forma de trabajar así:

“Al principio producía veinte páginas por entrega, o alrededor de cuarenta páginas al mes. En términos de producción, lo primero que hacía para cada capítulo era completar totalmente la primera página para practicar. El trabajo tenía que ir rápido, así que ni siquiera me molestaba con los bocetos de las poses de los personajes ni nada; Simplemente dibujaba directamente en la página del cómic que estaba enviando a los editores, sin repeticiones. Después de terminar una página, mi asistente usaba un Rotring y una regla para entintar las líneas de los edificios y el resto de los fondos. Tras su trabajo en la página, completaba el borrador dos días antes de la fecha límite. Me tomaba medio día dibujar los personajes, luego terminaba los edificios, agregando polvo, hendiduras y grietas en las ventanas para darles vida. Terminaríamos el borrador final a las 5 am del domingo, teníamos los personajes entintados a las 7 pm”

Alucinante que trabajará así haciendo esa virtuosidad de páginas.

Pero Naoki Urasawa es aún mas increíble. En el libro “Dibujar, dibujar sin descanso” publicado por planeta Agostini, dice:

-Publicaba “Pineapple ARMY” cada dos semanas en Original, mientras que la publicación de “Yawara!”  En Spirit era semanal. Significó entregar seis capítulos cada mes. En tales circunstancias, creo que es normal no tener tiempo para mimar el dibujo.

-Con tan poco tiempo disponible, tuve que mejorar mi capacidad técnica a toda costa. Cada vez que dibujaba, prestaba atención a hacerlo de la mejor forma posible y en poco tiempo. Al hacer esto, acabas volviéndote bueno por la fuerza. También aprendí a dibujar Storyboards correcta y rápidamente. En una escena de pelea de judo, por ejemplo, practiqué para entender cómo expresar la velocidad y la fuerza de ippon seoi nage, o estudiaba cuál era la mejor pose para exaltar la tensión de un soldado que sostiene un rifle entre sus manos. Durante mucho tiempo pasé las noches despierto haciendo todos estos experimentos para aprender a ser rápido y eficiente.

-Fue una especie de entrenamiento, ¿Verdad?

-Teniendo en cuenta que tenía seis capítulos que entregar cada treinta días, trabajar en sí era a la vez un entrenamiento, je, je. Cada mes dibujaba alrededor de ciento treinta páginas, tratando de mejorar cada día. Si no lo hacía, no podría estar satisfecho.

-Eso es lo que significa mejorar.

-Con un poco más de tiempo, estoy seguro de que podría haber dibujado mejor. Si hubiera podido hacer solo una página al día, me habría preocupado de pulir cada detalle. Pero como tenía que dibujar diez páginas al día dedicando aproximadamente una hora a cada una de ellas, tenía que ser capaz de discernir rápidamente qué crear y cómo hacerlo lo más rápidamente posible.

Pero lo más escalofriante es el día a día de Masashi Kishimoto mangaka creador y artista del ya famoso “Naruto” que, durante los 15 años en los que Masashi trabajó en la serie, tuvo este horario de trabajo:

12AM-6AM Trabajo.

6AM-9AM Dormir

9AM-1PM Trabajo

1PM-2PM Comer.

2PM-11 PM Trabajo.

11PM-12AM Cena- Tiempo de Baño.

Total Diario= 79,2 % del tiempo trabajando, 12.5 % durmiendo, 8,3 % comiendo bañándose.

La verdad es que este último testimonio es escalofriante. No podemos competir contra una industria que tiene artistas que trabajan con esta calidad a estas velocidades de producción de páginas.

Se dice que Jack Kirby dibujaba ocho páginas al día. Y que John Byrne hacía cuatro páginas al día. Pero realmente esto es anormal en occidente.

Si la industria occidental de cómics quiere competir con el trabajo que se hace en oriente, hemos de cambiar nuestra concepción del trabajo.

¿Cuántos de vosotros que leéis esta opinión seríais capaces de hacerlo?

Ánimo y adelante

Sin malos rollos, es solo mi humilde opinión.

 Siempre se me ha dado bien enseñar. Soy mejor vendedor y mi fuerte es la “atención al cliente”; pero la verdad es que disfruto enseñando.

El siglo pasado, durante la segunda parte de la Objeción de Conciencia que en aquel entonces duraba 13 meses, monté un taller de cómic en un centro cívico de una de las zonas más deprimidas de Barcelona en aquel tiempo. Allí di “Cómic” durante cinco años, hasta que el centro cambió de director, y prefirió trabajar con alguien de barrio que estaba empezando su carrera como artista secuencial.  Guardo muy buen recuerdo de aquella experiencia.

Eso quedó en mi cabeza durante mucho tiempo, y gracias a mi relación con mis amigos Mike Ratera y Eduardo Alpuente, me fui acercando poco a poco a la escuela de cómic mas grande de España, la “Escola Joso”. Pero en el momento que estaba tomando decisiones sobre esto, recordé que era “hijo” de la escuela pública. Que ya había dado clases en un centro cívico del ayuntamiento de mi ciudad, y que creí, tenía una deuda con aquellos que deseaban ser artistas secuenciales, pero no podían pagar una cuota mensual a una empresa privada.

Felizmente el gobierno de turno puso en funcionamiento el “grado superior de cómic” y por fin encontré la forma de poder colaborar con uno de esos cursos públicos. En concreto con el de “L'Escola Superior de Disseny i Art Llotja (ESDA Llotja)”. Lo cierto es que me sentí agradecido de ser recibido con gran calidez y entusiasmo por parte del profesorado. Desde 2019 estoy colaborando con la Llotja haciendo algo parecido a las “prácticas”, enseñándoles cuestiones profesionales y de trabajo, ofreciéndoles opciones de trabajo en las tres grandes industrias del cómic. A mí no me importa perder horas de mi vida y desplazarme hasta el centro donde “trabajo” con jóvenes adultos quienes quieren hacer realidad su sueño de vivir de sus manos, hablando en imágenes y palabras, dando todo lo que pueden por ser profesionales del cómic.

Soy consciente que las “prácticas” que yo les ofrezco no son lo mismo que trabajar mano a mano con un artista secuencial, en su estudio-casa, sobre trabajo real, pero si es una forma de solucionar una de las cuestiones que se plantean los jóvenes adultos que terminan ese grado superior… ¿Ahora qué?

Desde entonces varios alumnos se han convertido en profesionales en USA. Pronto los presentaré. 

Ánimo y adelante

Sin malos rollos, es solo mi humilde opinión.

 

Siempre me ha parecido fascinante la imagen que tiene de mi la gente. Como agente, me sorprendió cuando un autor de otra agencia, que me pidió ayuda para entrar en el mercado francés, me dijo que entre los autores me llamaban el “Agente Mama”.

¿Por qué soy el “Agente Mama”? Porqué todo lo que un artista hace me parece bien y lo digo en los emails.

Hace mucho tiempo que tome la decisión de no “tutelar” a los artistas que han confiado en mi para mejorar en su carrera, porque estoy convencido que trabajo con adultos, no con niños. Yo he sido artista y sé lo tortuoso que es el proceso creativo.  Y aunque cuando veo un error lo comento como una sugerencia, creo que el incesante interés de los artistas en mejorar, puede verse comprometido por personas que, como los agentes, no saben lo que es pasar las dudas creativas, depresiones, inseguridades, síndromes como el del “impostor”, baja autoestima, etc.

Yo he pasado esas situaciones en mayor o menor grado, y la verdad es qué que alguien te insulte, te diga que eres menos que el otro artista que está dibujando la otra parte del cómic, te ignore hasta que necesite cobrar de ti, o cosas peores, que me han contado de otros agentes, la verdad, no ayudan a apuntalar la confianza de uno mismo.

Además, si el editor no dice nada, ¿Por qué debo decirlo yo?

Lo fantástico fue cuando me comentó una compañera agente que le habían dicho que yo era el “agente tiburón”. Que si algo se decidía en esta industria era cuando yo lo decidía. Sé que desde la pandemia yo he estado moviéndome más, asistiendo a diferentes salones y eventos del cómic, formando parte de la organización de varios de esos eventos. Además, estoy en la Sectorial del Cómic. Pero eso no quiere decir que este en todas partes, mandando y decidiendo las vidas de los artistas o editores.

Quedé impactado y muy divertido, pasé del “Agente mama” al “agente tiburón”. La verdad es que no he sido muy consciente de la imagen que doy hasta hace muy poco. ¿Quizás ahora doy una imagen de soberbia? ¿Quizás he dicho algo en alguna de las charlas o las revisiones de portafolio que ha molestado a alguien? De verdad, si he molestado a alguien con mis actos o comentarios pido perdón.

Ánimo y adelante

Sin malos rollos, es solo mi humilde opinión.

Pido perdón por el retraso en subir entradas esta semana, pero el viaje a Angulema ha sido extenuante, y sigo recuperándome de cada viaje, necesitando al menos una semana más o menos para ello.

Hoy quiero hablar de otro libro que he leído este último mes, que me regaló un familiar, estás navidades, muy relacionado con tristes eventos acaecidos el año 2022.

George Pérez y Carlos Pacheco fallecieron el año pasado. En realidad, los conocía poco en persona, pero los dos cambiaron mi vida de forma radical. Sin la existencia de estos grandes maestros yo sería otra persona, me dedicaría a otra cosa. Quizás vendería pisos…

Como fan y artista, George Perez (y John Byrne) me dieron un lugar a donde ir, un “Go West”, una tierra dorada donde yo podría dibujar aquello que tanto amaba. Carlos Pacheco, señaló el camino, nos enseño como ir por la senda a hacer sueños realidad. Convirtió una fantasía infantil en algo factible… algo alcanzable.

Su falta me ha hecho darme cuenta que de una forma egoísta, los consideraba “eternos” y “les daba por sentado”.

Para mi eran “eternos” porque siempre habían estado allí, desde el primer cómic que compré. Desde el primer evento de cómic que yo asistí. Y sabiendo que compartíamos el mismo planeta, siempre habría cómics de ellos dos, sin duda, algo que me mantenía siendo yo mismo.

Pero sobre todo “les daba por sentado” iban a estar siempre, hasta el final de mis días. Se retirarían, y bueno, tendrían una vejez alabados por sus fans, la industria, y harían pequeñas apariciones en cómics señalados. Pero ya no va a haber más.

Como he dicho me regalaron estas navidades el libro "En Primera Persona George Perez". Lo he disfrutado muchísimo. Su vida cambió la vida de muchos de nosotros y creo que el era consciente de ello.

Cuando habla de sus fans dice “La mayoría de los chavales son muy respetuosos y me dan sus cómics temblando para que se los firme. Son las personas que mas quiero complacer” y eso es lo que he visto mil veces en los ojos de los fans, que como yo, miraban a su dibujante favorito como una estrella de rock. Es veneración.

Ánimo y adelante 

Sin malos rollos, es solo mi humilde opinión.

 No soy quién para augurar malas noticias. Y la verdad es que no me gusta ser pájaro de mal agüero, pero creo que debo recopilar la información para que todos podamos trabajar juntos.

Ya hace un par de meses, voy leyendo aquí y allí, en diferentes artículos sobre la industria del cómic USA, que, en el 2023 habrá una segunda crisis en la industria del cómic.

Los datos macroeconómicos auguran la llegada de esta crisis. El despido de todos los trabajadores de Comixology, como parte de la reorganización de Amazon, así como los despidos en las grandes empresas tecnológicas, son pruebas de ello. Esta crisis económica es “hija” u onda expansiva de la generada en la propia pandemia, naciendo alimentada por la inflación que azotan los Estados Unidos.

Pero quizás hay motivos específicos que tienen que ver con el propio cómic y quiero enumerar los que creo que están afectando a nuestra hermosa industria. La primera es la disminución de la desbocada cantidad de dinero que llegaba desde Hollywood, gracias al impresionante éxito que tuvieron los servicios de streaming durante la pandemia, que ahora, empieza a reducirse mientras estos servicios se desangran poco a poco perdiendo clientes. Una segunda razón sería consecuencia de esta primera; la proliferación de títulos sin un público concreto que llegan a las tiendas de cómic USA con la intención de las editoriales de generar propiedades Intelectuales (IP’s) para vender a Hollywood. Muchas de las editoriales que publican esas miniseries o series han nacido al calor del dinero que llega de las productoras de cine, videojuegos y televisión para satisfacer su apetito de IP’s, así que es un pez que se muerde la cola.

La tercera razón es la “guerra” de las distribuidoras entre Diamond, Lunar y Penguin Randon House, por el control del mercado directo (tienda de cómics)

La cuarta razón es el aumento excesivo del precio del papel, y la falta de este por el corte de suministro de papel barato que llegaba desde China.

Y la última que me gustaría destacar la competencia en la librería convencional del Manga y la Novela Gráfica Original para niños, adolescentes y jóvenes adultos al tomo que republica cómics de grapa. Sin olvidar éxito del Webtoon entre los jóvenes.

¿Mi receta para pasar esta crisis? redoblar esfuerzos, si cabe, aumentando los contactos con los editores tanto personalmente como digitalmente ampliando la visibilidad y buscando nuevas salidas profesionales.

Ánimo y adelante

 

Sin malos rollos, es solo mi humilde opinión.

Durante el periodo navideño, gracias a un regalo familiar, he estado leyendo “Desde La Penumbra” el libro de Antonio Martín, que recoge los textos publicados en los cómics de la Línea Eclipse, dentro del sello Cómics Fórum de Planeta de Agostini. En él, habla el autor sobre su día a día en las oficinas de Cómics Fórum, y su relación con la industria y sobre todo con los teóricos, casi convirtiéndolo en un “confesionario”. Recuerdo haber leído aquí y haya alguno de los textos en alguno de los cómics Eclipse. La verdad es que, si no los lees todos seguidos, no tienen mucha enjundia, pero el libro, recopilándolos te abre una ventana a la industria del cómic español de principios de los noventa.  Se divide en un preámbulo de Carlo Pacheco, una introducción más o menos personal o histórica de los textos que se publicaron en esa línea, los textos y un resumen de lo que fue su carrera tras la Línea Eclipse. Jaume Vaquer termina con un texto el libro.

Me ha llamado mucho la atención constatar que los problemas de los años 90 azotaban la industria del cómic -odios, envidias, luchas intestinas por un pedacito de la madalena que era la industria del cómic entonces- continúan en este momento de plena actualidad. Sí, las redes sociales y las tecnologías han cambiado muchas cosas, pero la relación personal no ha cambiado.

Soy consciente que hay “fuerzas” externas a la industria, que alteran las decisiones de aquellos que pueden dar una solución a muchas cosas. Y yo no conozco la fórmula mágica que solucione la situación donde nos encontramos, ni la que se encontraban en los noventa.

Mi opinión no es relevante, pero si a alguien le interesa leerla, sin ningún tipo de interés de molestar a nadie, tengo claro que el Manga es un buen producto, bien pensado tanto artística como empresarialmente. Características que deberían estudiarse antes de lanzar un producto a un mercado, tan saturado como el español o el norteamericano.

Ánimo y adelante.

Sin malos rollos, es solo mi humilde opinión.

Quiero pedir perdón por la ausencia.

El 31 de octubre del 2019, me alejé de este blog, desesperanzado de su baja visualización. La verdad es que las redes sociales, hacían que no mucho mas de 50 personas visualizaran sus entradas. No estaba de acuerdo que las redes sociales solo fueran un “bar” donde las peleas tabernarias fueran lo único que daba “likes” o pagar un fee para que te ofrecieran mas visualizaciones.

Me dejé llevar por diferentes estrategias de márquetin, aprendiendo de las redes, de sus pros y sus contras, y me di cuenta que realmente podía seguir creciendo en ellas. Inicié entonces un plan, donde decidí que, a primeros de año, como uno de esos propósitos navideños al cual te comprometes en pleno verano, me propuse recuperarlo. No solo volvería a llenar del increíble arte secuencial sus entradas, sino que pondría sobre la mesa, textos de opinión, y pronto videos.

Han pasado muchas cosas durante estos tres años. Primero pasamos durante dos años el periodo de la pandemia, y después una “libertad condicional” el último año. Una semana antes del 14 de marzo del 2020, yo estaba en Chicago, en la C2E2 y vi en el ambiente que el miedo de la industria a la “posible “pandemia se estaba haciendo cada vez mas palpable. Al llegar a casa se consumaron los hechos y como ya llevaba varios días meditando, decidí tomar dos líneas de actuación, la primera, redoblar esfuerzos en mi trabajo, y segunda crear una newsletter para los autores que habían confiado en mi para mejorar en su carrera, dando información sobre la situación del cómic en la industria occidental del comic. Realmente las dos decisiones fueron muy acertadas.  Mientras tanto, estuve meditando cual serían los siguientes pasos para cuando por fin aflojaran la mano que nos apretaba, sin ahogarnos. El primer año tras la pandemia vino a ralentí, así que empecé a viajar y ayudar a organizar eventos de cómics por España y continuar mis labores de agente en USA y Francia. Había lazos que recuperar, personas a las que volver a ver, personas realmente muy queridas. Así que la última parte de este periodo, he hecho más kilómetros de los que jamás había hecho en un año.

Pero lo que más me ha dejado huella durante estos tres años es que he ganado amigos, he perdido otros, y tristemente he ganado enemigos. Pero seamos positivos, este año esta lleno de buenos deseos, y eso es importante.

Ánimo y adelante 

25.10.19 Standaard Uitgeverij.

No llega la noticia de una fusión de dos editoriales en el viejo continente.

23.10.19 En recuerdo de Jordi Badia Romero

La editorial Treasury of British Comics / Rebellion,  va a publicar  una recopilación de la revista Misty.

15.10.19 Marvel regala cómics en UK

Parece raro pero Marvel regala cómics en el Reino Unido...

15.10.19 Las Novelas Gráficas superan a la grapa.

En el contexto de la NYCC 2019. Milton Griepp, C.E.O de ICv2,

14.10.19 NYCC 2019

Un año mas he podido visitar la ciudad que considero mi segunda casa, ciudad de la cual me enamoré en cuanto la vi,  New York City.

14.10.19 anécdota en Artists Alley.

Leía este fin de semana una entrada en un lugar de cotilleos una anécdota que ha sucedido en el Artist's Alley.

21.09.19 El día de Batman

Hoy se celebra el día de Batman en todo el mundo, como ya dije aquí. Y Jim Lee, Vicepresidente de DC Entertainment y director artístico de la misma, no podía dejar de celebrarlo.

20.09.09 David Cabeza en The Orville

Este mes se podrá pedir el recopilatorio en tapa blanda de la miniserie de The Orville, publicada por Dark Horse y basada en la serie de televisión con el mismo nombre. Dark Horse Comics a ensalzado una reseña en una publicación en twitter sobre el número tres.

19.09.19 Lee Weeks.

Suelo recibir pruebas de artistas secuenciales que me gustan pero soy consciente que si el artista secuencial le diera un par de vueltas mas al boceto, conseguiría marcar la diferencia.

18.09.19 Marvel Style quinta parte.

Siguiendo con la traducción del artículo sobre el Marvel Style, y la historia de hacer guiones podéis leer el resto del artículo aquí, aquí, aquí y aquí.

16.09.19 Hal Foster

Hace ya unos tres años que tengo el Fantagraphics Studio Edition de Hal Foster "Prince Valiant".