Oscar Bazaldua en Mr. & Mrs X #2

Cuando recibo un mail con el trabajo de Oscar Bazaldua para Mr. & Mrs X me siento como cuando en los 90 leía los cómics de Jim Lee de X-Men. Su trabajo es armónico, de gran elegancia y con un sentido del ritmo digno de las leyendas de este amado medio. Ver su versión de personajes legendarios que leí de en etapas como Excalibur de Alan Davis es emocionante.

Disfruto de la posibilidad de compartir su arte aquí. Y tengo la suerte de que Marvel subió páginas del número dos de Mr. & Mrs X. Disfrutad.

David Campiti da otro ejemplo de profesionalidad

Continuo traduciendo y subiendo entradas que creo interesantes de David Campiti Ceo de GLASS HOUSE GRAPHICS. Siempre me interesa leer sus entradas ya que aprendo mucho sobre esta profesión así como de ética profesional para artistas secuenciales. Esta entrada es del 26 de abril del 2018. Buscadla y dadle "like" si os gusta.

Vuelvo a publicar esta historia porque encaja con el tema de representación de artistas y oportunidades en la que he estado trabajando toda la semana. Muchos de vosotros podéis estar leyendo esto por primera vez:

A veces me pregunto ¿POR QUÉ algunos artistas muy buenos no terminan obteniendo trabajos en el negocio de los cómics?. He aquí un buen ejemplo que lo explica: Mi compañía dibujaba y entintaba un cómic para una editorial importante, y su fecha límite ya era limitada: debíamos terminar el libro el domingo por la noche, con sus últimas páginas coloreadas, maquetadas y enviadas a la impresora. para el lunes por la tarde. En nuestras manos, el editor sabía que cumpliríamos. Pero la fecha de envio a la  impresora cambió, y el libro de repente tenía que ser entintado el jueves por la mañana, ¡cuatro días antes! - con las maquetación y el coloreado final enviados en la impresora para el final del día de ese jueves.

Enviamos los lápices el miércoles, justo en nuestra fecha de entrega original, pero debido al cambio en el cronograma teníamos cuatro páginas que tenían que ser entintadas de la noche a la mañana. Nuestro entintador regular podría terminar dos páginas tirándose noche entera; un segundo entintador de GHG podría manejar la tercera página. Pero la cuarta y última página era un problema y no tenía otro entintador disponible que se ajustara al estilo.

Así que busqué a través de mis portafolios de presentación recientes y encontré un entintador cuyo estilo era lo suficientemente cercano; el tipo estaba buscando trabajo y quería cualquier trabajo. Así que me puse en contacto con él a la hora del almuerzo y le ofrecí la página. Él lo acepto. Expliqué cuidadosamente: "Aquí vamos, esta es UNA PÁGINA de este proyecto, adjuntada. FECHA LÍMITE es mañana por la mañana, a las 11 a.m. del jueves Ni un minuto después. Si no puede cumplir ese plazo, házmelo saber, y no acepte el trabajo. "Le envié otras páginas manuscritas del mismo libro para que coincidiera con el estilo, confirmó las especificaciones de velocidad y escaneo, y me contestó: "¡No hay problema, lo haré por la mañana!" Me fui a dormir esa noche, sabiendo que había tenido claro todos los aspectos del trabajo.

A la mañana siguiente, llegué a trabajar alrededor de las 9 de la mañana. Y recibí este correo electrónico: "Disculpen la demora tardía, después de trabajar un turno de 14 horas hoy y con la fecha límite de la página, no podré completar las tintas, una vez más disculpe las molestias, si tuviera más tiempo podría darle mi mejor trabajo. Esperemos que este correo electrónico te permita encontrar otro entintador antes de que venza la fecha de entrega para la página ".

Sí, en serio: el tipo había aceptado la tarea, sabiendo que tenía que ir a otro trabajo; incluso si un turno más largo fue una sorpresa, mi número de teléfono y mis contactos de Messenger estaban en mi correo electrónico, lo que significa que podría haber llamado o enviado un mensaje de texto para avisarme que lo reasignara, en cualquier momento del día anterior. Le respondí: "Dije claramente que necesitamos las tintas antes de las 11 de la mañana. Y si no pudia cumplir con la fecha límite, NO aceptara el trabajo. ¿Qué planeas hacer para arreglar esto?

Él nunca respondió, así que claramente lo que él planeó hacer fue arruinar un editor de dos grandes y no conseguir más ofertas de trabajo de ellos o de mi Agencia, y trabajamos con casi todo el mundo.

¿Entonces qué pasó? Mientras que el entintador perdió su oportunidad para iniciar una carrera, varios de mis entintadores se unieron, dividiendo la página y entintando las viñetas por separados, de modo que cumplimos con la fecha límite. Porque ellos y nosotros somos profesionales.

Aprendiendo con Stephan Franck

8. Evita la repetición visual. A menos que desees descomprimir el tiempo por razones dramáticas, y tener la misma viñeta varias veces solo con cambios menores, porque estás hiper-dramatizando una acción contenida, evita la repetición visual en la página. Por repetición, me refiero, por ejemplo, a una cara que se ve desde un cierto ángulo en una viñeta y aparece en el mismo ángulo, solo un 50 por ciento más grande dos viñetas más adelante.

Como Stephan no da ejemplo, yo subo esta página de Moebius para Blueberry donde vemos el primer plano de la primera viñeta en la tercera.

CB Cebulski llama a las armas.

Mi amigo C.B. ha subido este tweet a twitter. Dice que Marvel esta buscando autores prometedores.

C.B. Cebulski‏Verified account @CBCebulski

Honestly, there's never been a better time to be an up & coming creator in comics. We need more talented writers, pencilers, inkers, colorists, cover artists & designers than ever before. Really. Start by making a name for yourself & getting your work seen. Word of mouth is key!

6:47 AM - 16 Aug 2018

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Honestamente, nunca ha habido un mejor momento para ser un creador prometedor en los cómics. Necesitamos más que nunca escritores dibujantes, entintadores, coloristas, portadistas y diseñadores con talento. De Verdad. Comienza por hacerte un nombre y hacer visible tu trabajo. El boca a boca es la clave!

Editores Extranjeros en Madrid.

El próximo mes de septiembre Heroes Comic Con Madrid invita a varios editores anglosajones a su evento para la revisión de portafolios. Voy a hacer una lista de ellos para orientar al artista secuencial que vaya a asistir al evento.

Mi amigo CB, es en estos momentos editor en jefe de Marvel Comics. Tiene una larga trayectoria en ayudar en la carrera de grandes autores secuenciales. Sus consejos valen oro, pero no edita nada. Trabaja muy estrechamente con Rickey Purdin, que es el encargado de la relaciones con el "talento" que trabaja en Marvel. 

Chirs Conroy es uno de esos editores que llevan trabajando en DC Entertainment muchos años, pasando de asistente a editor. Ha editado Detective Comics, Wonder Woman, Batman: Creature of the night. 

Mi amigo David Leach, a parte de ser artista secuencial, es editor en Titan Books. Ha editado Fighting America, Dan Dare y Super-Mansion entre otros. Experimentado revisando carpetas, sus consejos valen oro, y pueden llevarte a un trabajo. 

La última añadida a la lista, Katii O'Brien ha sido asistente editora de Tarzan on the planet of the apes. The Visitor- How and Why He Stayed, y Editora tras la marcha de Scoot Alli de la linea de terror de Dark Horse, así como de la linea Hellboy. 

Aprendiendo con Stephan Franck 07

7. Evita Meta-formas. Esto trata de mantener secuencial el arte secuencial. Se supone que cada viñeta es su propio sección de espacio-tiempo, y (a menos que ese sea un efecto deseado) generalmente se ha de evitar que elementos visuales de una viñeta parezcan fusionarse con otros elementos visuales de otra viñeta. Por ejemplo, evite las líneas que forman tangentes a través de las viñetas. Eso puede pasar con las formas negras que, inadvertidamente, parecen continuar de una viñeta a la siguiente como si se hubiera derramado una botella de tinta sobre la página, formando lo que llamo formas meta. Estos se convierten en agujeros visuales que conectan las viñetas visualmente, destruyen la ilusión de secuencia.  Es difícil probar que es negativo, así que confía en mí en este caso.

Aquí pongo un ejemplo, ya que el propio Stephan no incluye imagen en este párrafo. Durante mucho tiempo creí que Frank Miller había dibujado mal la ventana en esta primera viñeta, sobre todo porque al chocar Bruce Wayne contra la estatua, no se corta en el espacio en blanco de las viñetas-ventana. Pero como puedes ver, al ser un efecto deseado, por los cuadrados de pensamiento, Frank quiso que pudiéramos decidir si veíamos una sola viñeta visualmente engañosa o una rejilla de viñetas, llevadas por el texto, donde el tempo es mas corto ya que cada viñeta en sangre o dentro de caja, tiene un tempo similar. Esto alarga el tempo de la acción dando sensación de agobiante agonía. 

Agosto, 12.

Tom Brevoort nos recordó ayer, que fue el día "M" del mundo de la industria del cómic americano. Ayer se conmemoró la muerte de tres grandes del cómic book Mark Gruenwald, hace 22 años, Mike Wieringo hace 11 años, y Joe Kubert hace 6 años. 

Industria del cómic USA III

Ya hablé aquí de la delicada situación financiera de IDW, que quizás sea la razón de la perdida de capital humano de la compañía. El viernes pasado, a última hora, se anunció la marcha de David Ozer presidente de IDW Entertainment. La marcha de este agente clave en la venta de los derechos de Wynonna Earp y de Look and Key a Netflix, da clamor a la situación de la compañía. Hay mucha gente preocupada por esta situación, ya que IDW es una de las compañías clave de independencia económica, que sirve para ver como se encuentra el mercado.

Aprendiendo con Stephan Franck 06

6. Crear elementos de diseño de firma. Reconozcámoslo, dibujar personajes que permanezcan consistentes a través de cambios de expresión, diferentes ángulos, y cualquier tipo de día de dibujo que tengas, es difícil. Es por eso que es necesario diseñar personajes que tengan ciertas formas y elementos de firma inconfundibles. Como podéis ver en estas páginas a Jean Grey se la reconoce aunque cambia de un mundo real a uno fantástico porque mantiene ciertas pautas como por ejemplo color de pelo y facciones. 

Consejos de David Campiti.

Me gusta aprender de todos sitios. Creo que es la única forma de mejorar en mi trabajo. Y las redes sociales me ofrecen una impresionante cantidad de información. David Campiti, representante de autores de cómic de House Glass Graphics, habla mucho de la profesión y da muy buenos consejos.

Hoy quiero publicar una entrada de facebook que podéis leer aquí. 

Si bien es cierto que por cada 100 artistas de comics que intentan conseguir trabajo, tal vez hay 10 trabajos disponibles. También es cierto que para esos 10 trabajos, a los mejores (¡y más activos!) Artistas se les suelen ofrecer esas asignaciones primero.

Pero no lo pueden dibujar todo, amigos. Así que responda sus llamadas telefónicas, correos electrónicos y mensajes de texto con prontitud.

El mes pasado, un artista fantástico que sabía que necesitaba trabajo tardó una semana en responder a su correo electrónico; cuando respondió, el trabajo se asignó en otro lugar y ya se habían entregado cuatro páginas.

Otro excelente artista que me había estado enviando mensajes de texto sobre la necesidad de trabajo consiguió un trabajo, y puso reparos tanto tiempo en el trabajo que el cómic fue ofrecido a otro artista y fue entregado completamente antes de que el primer artista enviara una sola página.

Otro artista al que estoy tratando de asignar no ha respondido sus mensajes de texto o correos electrónicos en días, y no tengo información de que se haya ido de vacaciones.

No es la mejor manera de manejar una carrera.

Es importante la comunicación entre el representante y los artistas secuenciales. Responder inmediatamente a una oferta de trabajo es la mitad del trabajo. 

Julian Lopez dibuja a Esperanza Aguirre.

Hay muchos ejemplos de personas reales que han sido dibujadas en comics, a lo largo de la historia del cómics. Hace unos días he visto dibujado a Jordan White y CB Cebulski por Pepe Laraz en las primeras páginas de Extermination. Concretamente, CB esta dibujado como el hombre que tiene un puño en alto en la viñeta uno, y en la viñeta 3 está Jordan.

Yo he sido dibujado varias veces con mas o menos gracias. También Jorge Jimenez dibujó a mi amigo Eduardo y Alberto de Infinitoons paseando por un aeropuerto.

Aprendiendo con Stephan Franck

5. Decir, no mostrar. Comprende de qué trata el momento. ¿Se trata de la información que se transmite, o se trata de los personajes? Si es el último caso, deberías resistir la tentación de cortar una representación visual de la parte de información en cuestión, y quedarte con los personajes que lo discuten, y dándoles el momento de actuación apropiado. Un ejemplo clásico sería la escena final entre Decker y Batty en Blade Runner. La escena no trata de contarnos una historia sobre lo que sucedió en la Puerta Tannhauser. Si ese fuera el caso, querías visualizar un flashback que muestre esas naves en llamas. La escena es sobre Decker mirando a los ojos de Batty, y dándose cuenta de que la existencia de Batty es tan valiosa como la de cualquier otra persona. Lo importante es centrarte en los personajes. 

Como artista es posible que tengas un conjunto complejo de hilos que entrelazar, y quieras que la historia se mantenga lineal y digerible, por lo que elegir lo que muestras de lo que dices es primordial. Por supuesto, la elección de contar historia de esta forma se tomo en la película Blade Runner, pero aquí está la hermosa adaptación al cómic de Al Williamson (en francés, nada menos):

¿A nadie le parece raro que estas dos portadas parezca que continúen la secuencia? o no había nunca escuchado decirlo en ningún sitio... ¿hay alguna portada que lo continué este relato?

¿Dónde encontrar el arte de Álvaro Sarraseca este mes?

Este mes se ponen a la venta dos productos realizados magistralmente por Álvaro Sarraseca. En el primero, Álvaro ilustra una parte de la novela de David Gaiber que Dark Horse Comics ha publicado sobre el videojuego "Dragon Age".

El segundo producto que podéis pedir en el Previews es el número 5 de The Lost City Explorers. La verdad es que esta siendo una gozada ver su trabajo en las tiendas de cómics. 

Este asombroso artista mejorando en su carrera a pasos agigantados. Muchos editores se han indicado su interés en su trabajo.

Industria del Cómic USA II

Continuo hablando de presentaciones y entrevistas de SDCC siguiendo lo dicho aquí, una de las noticias que mas a sorprendido tras la con, es el final de la serie de "The Simpsons Comics" en el número 245. Y la colección de "SpongeBob" tendrá un largo hiato tras el número 85 de la serie.  Las dos producidas por Bongo Comics.

Guiu Vilanova en The Punisher # 228

Cuando conocí a Guiu Vilanova en un Salón del Cómic de Barcelona, quede impresionado por sus capacidades artísticas. Pero su profesionalidad es lo que ha hecho que los editores de Marvel hayan quedado asombrados por sus páginas. 

En estas páginas del número 228 de The Punisher demuestra una madurez artística impresionante. Su dominio del claro oscuro, y la composición de viñeta y página en asombrosa. 

Tanto es así que después del último número de esta serie, ya ha empezado a trabajar en otro nuevo proyecto para la casa de las ideas. Stay tuned. 

Aprendiendo con Stephan Franck 04

4 Mostrar, no decir. Al igual que la película, los cómics son obviamente un medio visual y quieres expresar la mayoría de las ideas visualmente, primero y principalmente a través de las acciones de los personajes. Lo tomo como una victoria cuando escribo una página completa y encuentro que puedo perder piezas de diálogo porque las imágenes ya llevan los puntos de la historia. El ejemplo aquí es de Sin City y por cierto, también es un momento de acción descomprimido:

Juann Cabal en X-23 #2

Cuando recibí las primeras páginas de Juann Cabal, quedé estupefacto. La verdad es que me hice fan de su trabajo al primer vistazo. Un arte inteligente, imaginativo, elegante. Pero sobretodo osado. No se quedaba en la primera versión de los bocetos, siempre hay algo mas que mejorar, que experimentar. Un gran profesional.  

Y la verdad es que Juann es exactamente así: una persona brillante con un sentido artístico que no deja indiferente a nadie. 

Pero mas que mis propias palabras, su arte, que podéis leer aquí, dice mucho mas de lo que puedo yo decir. 

 

Aprende con Stephan Franck 03

3. Descomprimir: Mientras tanto, desea descomprimir la narración cuando se apoya en ideas originales, puntos clave de la trama o momentos importantes de acción o suspense que necesitan ser seguidos y dramatizados. También es necesario para momentos importantes de personajes, y especialmente conversaciones emocionales durante las cuales un personaje cambia. Un gran ejemplo es también de Watchmen: cuando Rorschach mata a los perros, la escena se descomprime para que experimentemos la escena con toda la cantidad de temor, dudas y deliberación requeridas.

Aprende con Stephan Franck 02

2. Comprimir. Maestros como Jack Kirby tenían la capacidad de armar epopeyas cósmicas gigantes que se comprendían completas y satisfactorias en 18 páginas. Eso se logró con un estilo de narración "comprimido" en el que las imágenes grandes y el texto puente se combinan para avanzar la historia a pasos agigantados y generar impacto. Más tarde, los cómics desarrollaron un estilo de narración "descomprimido" que juega la acción más momento a momento. Los cómics modernos usan una combinación de ambos. Encuentro que la narración comprimida es particularmente grandiosa cuando quieres presentar un personaje mostrándolos en acción, pero la acción en cuestión no es una gran parte de la trama. Se trata más de obtener la motivación del personaje. En el siguiente ejemplo presentamos Nexus, de Steve Rude explicando la historia del personaje, fuera de la linea del cómic book

Esto le da el impacto y la textura del momento sin relacionarse con ningún tipo de evento mientra ocurre. También es excelente cuando quieres entregar ciertas retóricas, golpeándo con toda la fuerza, pero avanzando rápidamente antes de que el lector sienta que se están discutiendo ideas familiares. Un gran ejemplo de narración comprimida que ofrece la idea de forma espectacular, pero sin involucrarse con los ritmos de la historia que están más allá del alcance dramático de la historia, es esta imagen de Watchmen.  Te dice todo lo que necesitas saber sobre la participación militar del Dr. Manhattan en la Guerra de Vietnam. Puede haber estado sucediendo durante años, pero se presenta en una imagen.

Realidad histórica incomoda.

Hace mucho tiempo que quería escribir una entrada como esta. Como pasa muy a menudo en el arte, no se puede entender un cómic sin su realidad histórica. El cómic moderno nace tanto en USA como en Europa al rededor de los años 30-40 del siglo pasado. 

En ese momento, las leyes segregacionistas y racistas estaban en vigor, sin que casi nadie se planteara cuestionarlas y eso se reflejo en los cómics. 

Ayer se anunció, como podéis leer aquí, que se ha cancelado la publicación de "Shazam!: The Monster Society of Evil Deluxe Edition" por contener algunas viñetas racistas.

Aprende con Stephan Franck 01

Siguiendo con los consejos para ayudar a entender el storytelling, que empecé con los 62 consejos de Erik Larsen, continuaré con los 13 consejos de Stephan Franck.

1. ¿De quién es este momento? Al contar una historia visualmente, el objetivo es pasar de lo que llamo "gestión de activos" (también conocido como: qué personajes están presentes, dónde están, qué están haciendo), y llegar a crear un "momento". Capturar un ambiente. Una emoción. Un punto de vista. Entonces, subyacente a todo eso, siempre me pregunto: "¿De quién es este "momento"?". ¿Con que experiencia me estoy conectando en esta imagen particular?. Por supuesto, eso no significa que cada imagen sea un Punto de Vista directo de un personaje. En la mayoría de los casos, tu dibujas el punto de vista externo de un observador. Pero aun así, debes elegir la distancia correcta, el ángulo correcto, para que participes correctamente en el momento emocional.

En la primera imagen a continuación, estamos con Batman, descubriendo a Robin moribundo junto a él.

En este segundo dibujo, estamos allí en la escena, y nosotros mismos estamos conmocionados, como se puede ver desde el ángulo holandés,- básicamente consiste en girar tu cámara para que tu horizonte fotográfico pase a estar deliberadamente caído- y lo suficientemente cerca como para sentir la tensión, pero manteniendo nuestra distancia lo suficientemente segura de Batman. Sin embargo, estamos en su camino lo suficiente como para crear la sensación de que estamos a 2 segundos de distancia para que te griten que se vaya, o que te den un puñetazo en la cara.